Artistes


Homecoming

Médéric Collignon © Ph. Levy-Stab

© Ph. Levy-Stab

Médéric Collignon
France

Homecoming
Trompette et multivocaliste jazz

Apparu dans la paysage du jazz français à l’orée des années 2000 comme un feu follet, survolté et imprévisible, Médéric Collignon a imposé sa folie douce et son hyperactivité musicale en peu de temps. S’affirmant comme élément essentiel d’orchestres de grande taille, il s’est révélé également dans de petites formations où, outre ses talents de trompettiste, éclatent sa verve improvisée, ses expérimentations vocales et électroniques dont le jazz n’est qu’une composante dans une explosive collision de styles.

En solo, dans des performances improvisées à l’aide de dispositifs électroniques qui lui permettent de s’enregistrer lui-même en temps réel, en duo avec le batteur Philippe Gleizes, en trio avec le contrebassiste Paul Rogers et le guitariste Maxime Delpierre ou avec son quartet Jus de Bocse, il embrasse le champ des possibles tous azimuts.

Il a adapté et réécrit avec talent « Porgy and Bess » pour son quartet Jus de Bocse. Avec ce projet, Médéric a remporté le prix de la révélation instrumentale Française de l’année – prix Frank Ténot – aux Victoires du Jazz 2007. En 2010 le groupe est de nouveau récompensé par la Victoire du Jazz du meilleur artiste ou groupe de l’année pour l’album “Shangri-Tunkashi-La” : un hommage aux années 1968-75 de Miles Davis. En 2012 Médéric et son quartet s’associent à deux quatuors à cordes dans ce projet et sortent l’album « A la recherche du roi fripé » qui remporte lui aussi une Victoire du Jazz dans la catégorie « album de l’année ».

Son énergie folle, Médéric la donne pour faire vivre sa musique… et l’on se met à rêver, nous aussi, qu’elle soit inépuisable.

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Vincent Courtois

Vincent Courtois
France

Homecoming
Compositeur de jazz, violoncelle

Depuis plus de vingt ans, Vincent Courtois, musicien prolifique, parcourt le monde et les projets, s’imposant comme un violoncelliste virtuose, incontournable improvisateur et créateur de la scène musicale actuelle. Il est un compositeur inspiré connu pour son sens de la mélodie mis au service de projets originaux et exigeants .

Vincent Courtois naît à Paris en 1968. Il commence l’étude du violoncelle classique à 5 ans. Adolescent, il découvre le jazz et l’improvisation grâce au violoniste Dominique Pifarély. A partir de 1988, il donne ses premiers concerts de jazz avec les groupes du guitariste Christian Escoudé puis du contrebassiste Didier Levallet. Peu après, il forme son propre quartet avec lequel il enregistre ses deux premiers disques. De nombreux musiciens commencent à faire appel à lui : en particulier Martial Solal et Michel Petrucciani. En 1993, il crée le Pendulum Quartet et le groupe Turkish Blend avec le saxophoniste Julien Loureau.

Aimant plus que tout se nourrir de rencontres et traverser les styles, il entame en 2004 une collaboration avec le slameur d’origine africaine Zé Jam Afane. Depuis bientôt vingt ans, Vincent Courtois s’est produit aux côtés de nombreux musiciens parmi lesquels : James Newton, Louis Winsberg, Jean Paul Céléa, Laurent de Wilde, Simon Goubert, Chris Biscoe, Jim Black, Tomas Stanko, Hélène Labarrière, Wolfang Pouchnick, Dave Douglas, Mark Feldman, Renaud Garcia Fons, Richard Galliano, Médéric Collignon, Tom Rayney, Mark Naussif, Antonio Hart, …

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Poulenc, entre ombre et lumière

Ensemble Dialoghi © DYOD

© DYOD

Ensemble Dialoghi

Poulenc, entre ombre et lumière

L’ensemble Dialoghi (Espagne) souhaite proposer une approche alternative à la musique classique et romantique. Son but est de souligner l’interconnexion entre la musique instrumentale et les autres formes artistiques telles que l’opéra, le théâtre, la poésie et la peinture, mais aussi de se réapproprier les traditions et les habitudes du milieu musical et de la société de l’époque pour jeter une lumière nouvelle sur certaines émotions cachées entre les notes. L’Ensemble Dialoghi, dont le nom incarne la volonté de communiquer, ressent la nécessité de partager avec le public les différents codes du langage musical propre à chaque époque. L’attachement des musiciens aux instruments d’époque répond de la même intention. Les instruments avec lesquels l’Ensemble Dialoghi joue, s’avèrent des outils fondamentaux pour découvrir cette vaste gamme d’émotions. Le noyau de l’ensemble est la formation pour vents et pianoforte, qui peut prendre différentes formes. L’ensemble se produit souvent en Europe, mais également au Canada, au Japon et à Singapour.

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Cristina Esclapez © DYOD

© DYOD

Cristina Esclapez
Espagne

Poulenc, entre ombre et lumière
Pianoforte

Cristina Esclapez a fait ses études supérieures de piano avec Ramón Muñoz à Murcie et Patricia Montero au Conservatoire royal de Bruxelles. C’est lors de cette période qu’elle a joué l’intégrale de l’œuvre pour clavier seul de Haydn et Le Clavier bien tempéré de Bach. Elle prend ensuite la décision de se consacrer à sa véritable passion, la musique de chambre, et collabore avec des musiciens tels que Lorenzo Coppola et Vicens Prats, lesquels ont exercé une influence déterminante sur sa formation. Cette vocation, elle la partage également avec ses élèves, qu’elle accompagne à Barcelone et à travers le monde, profondément convaincue de l’importance de ce rôle, qui combine à la fois formation musicale, empathie, soutien, proximité et flexibilité.

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Josep Domènech Lafont © DYOD

© DYOD

Josep Domènech Lafont
Espagne

Poulenc, entre ombre et lumière
Hautbois

Josep Domènech enseigne le hautbois ancien au Conservatoire d’Amsterdam où il a succédé à son professeur Alfredo Bernardini, ainsi qu’à la Hochschule für Künste de Brême. Sa fascination pour l’interprétation sur instruments d’époque d’un répertoire allant de J.-S. Bach à Gustav Mahler lui permet de se joindre régulièrement à quelques-uns des meilleurs orchestres de musique ancienne tels que le Bach Collegium Japan, Il Giardino Armonico, Balthasar Neumann Ensemble, l’Orchestre Révolutionnaire et Romantique, The English Baroque Soloists et The Orchestra of the Age of Enlightenment. Il est également premier hautbois de l’Orchestre des Champs-Élysées de Philippe Herreweghe, et donne fréquemment des classes de maître et conférences dans des festivals et conservatoires européens. Il collabore également avec le facteur de hautbois Pau Orriols.

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Lorenzo Coppola © DYOD

© DYOD

Lorenzo Coppola
Italie

Poulenc, entre ombre et lumière
Clarinette

Lorenzo Coppola a étudié la clarinette historique avec Eric Hoeprich. Il collabore avec le Freiburger Barockorchester, Les Arts Florissants, La Petite Bande et La Grande Écurie, et partage son amour pour la musique de chambre avec des artistes tels que Andreas Staier, Isabelle Faust, Alexander Melnikov, l’Ensemble Zefiro et le Quatuor Kuijken. Avec ses collègues de l’Ensemble Dialoghi il se réjouit d’une complicité toute particulière. Il a notamment enregistré le Concerto et le Quintette de Mozart avec le Freiburger Barockorchester et le Quatuor Kuijken, ainsi que les Sonates de Brahms avec Andreas Staier. Très engagé dans la transmission des émotions de la musique, il aime partager, autant avec le public qu’avec ses élèves, les différents codes du langage musical. Il enseigne la clarinette historique à l’École supérieure de musique de Catalogne, à Barcelone.

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Bart Aerbeydt © Karen Ketels

© Karen Ketels

Bart Aerbeydt
Belgique

Poulenc, entre ombre et lumière
Cor

Bart Aerbeydt joue régulièrement avec des ensembles sur instruments d’époque tels que le Freiburger Barockorchester. Il se produit également avec l’Orchestre des Champs- Élysées, l’Orchestre du 18ème Siècle, Akademie für Alte Musik Berlin, Concerto Kœln. Il a joué plusieurs fois comme soliste dans des concertos de Mozart, Telemann, Haendel, Graun. Après ses études de cor moderne à Gand et Anvers avec Luc Bergé et Rik Vercruysse, il a étudié le cor naturel au Conservatoire d’Amsterdam auprès de Teunis van der Zwart.

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Javier Zafra © DYOD

© DYOD

Javier Zafra
Espagne

Poulenc, entre ombre et lumière
Basson

Javier Zafra est basson solo du Freiburger Barockorchester depuis vingt ans. Il a étudié à La Haye avec Donna Agrell et a fait partie de l’EUBO sous la direction de Ton Koopman. Il joue également avec plusieurs orchestres européens et japonais. En musique de chambre, il se produit régulièrement avec Isabelle Faust et Alexander Melnikov, entre autres. Il a joué le Concerto de Mozart à de nombreuses reprises, notamment au Wigmore Hall à Londres ainsi qu’au Lincoln Center à New York, où son interprétation fut encensée par la critique du New York Times. De nature curieuse, il explore inlassablement les timbres des bassons de toutes époques et aime partager cette passion avec le public et ses partenaires de toujours. Il est professeur de basson baroque à la Musikhochschule de Fribourg-en-Brisgau et au Koninklijk Conservatorium Brussel.

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Georges Barthel

Georges Barthel
France

Poulenc, entre ombre et lumière
Flûte

Après des études de flûtes moderne et baroque au Conservatoire National de Région de Strasbourg, Georges Barthel décide de se consacrer entièrement à la pratique musicale sur instruments anciens et intègre la classe de Barthold Kuijken et de ses assistants Frank Theuns et Marc Hantaï au Conservatoire Royal de Bruxelles. 

Georges Barthel s’est produit en concerts et a participé à de nombreux enregistrements en Europe et au-delà en tant que membre de plusieurs ensembles et orchestres, tels que l’Orchestre de Champs Elysées (Philippe Herreweghe), Anima Eterna (Jos van Immerseel), La Chambre Philharmonique (Emmanuel Krivine), Les Talens Lyriques (Christophe Rousset), La Petite Bande (Sigiswald Kuijken), Orkiestra Historyczna (Martyna Pastuszka), Opera Fuoco (David Stern), La Fenice (Jean Tubery), Les Siècles (François-Xavier Roth), Le Cercle de l’Harmonie (Jérémie Rohrer), Akademie für Alte Musik Berlin (René Jacobs), Ricercar Consort (Philippe Pierlot), Australian Chamber Orchestra (Richard Tognetti) et l’orchestre de l’Opéra de Zurich (Fabio Luisi).

Il enseigne depuis 2019 la flûte baroque à la Hochschule für Musik und darstellende Kunst à Francfort sur le Main.

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Antoine Pecqueur © Léa Crespi / Flammarion

© Léa Crespi / Flammarion

Antoine Pecqueur
France

Poulenc, entre ombre et lumière
Conférencier, journaliste, musicien

Antoine Pecqueur est musicien et journaliste. Diplômé du Conservatoire national supérieur de musique de Lyon, il est bassoniste au sein de différents orchestres: Les Siècles, Orchestre des Champs-Elysées, Anima Eterna, Orchestre révolutionnaire et romantique, Linea, … Il défend à la fois le répertoire sur instruments d’époque et la création contemporaine. 

Antoine Pecqueur est en outre journaliste, spécialisé en politique et en économie de la culture. Après avoir collaboré au « Monde », il travaille aujourd’hui pour RFI, Mediapart-Le Crieur, France Musique… Il est directeur de la rédaction de « La Lettre du Musicien ». 

Il est l’auteur de quatre livres : Atlas de la culture (éd. Autrement), Les espaces de la musique, l’architecture des salles de concert et des opéras (éd. Parenthèses), Les plus beaux opéras du monde (avec le photographe Guillaume de Laubier, éd. de la Martinière), Les écrans sonores de Stanley Kubrick (éd. du Point d’exclamation).

Come On Feet

Quan Bui Ngoc © Chris Van der Burght

© Chris Van der Burght

Quan Bui Ngoc
Vietnam

Come On Feet
Chorégraphe, danseur

Enfant, Quan Bui Ngoc entame sa formation de danse à l’École National du Vietnam avant de rejoindre le ballet de l’Opéra de Hanoi en 1996. En 1997, Bernadette Tripier l’invite en France à l’école de danse d’Istres. En 2002, il collabore avec Alain Platel dans Wolf. Il continue cette collaboration et danse dans vsprs (2006), pitié! (2008), Out of Context-for Pina (2010) et C(H)OEURS (2012) et collabore avec Alain Platel pour Nicht schlafen (2016) et pour Requiem pour L. (2018) comme son assistant à la chorégraphie. En 2011 il rejoint le Australian Dance Theatre pour la tournée de Be Your Self. Avec Lisi Estaras et Alain Platel, il réunit 300 citadins de tous âges et de tous horizons dans une représentation inédite du Sacre du Printemps, d’abord à Gand (2018) et ensuite aussi à Valladolid (2019). 

Il a fait des projets avec des danseurs spécifiques, ainsi qu’une chorégraphie commémorative à Ypres avec 200 enfants, la performance Parallell Lines – une pièce avec des prisonniers à Bruges et le spectacle The Roof – une pièce pour le Ho Chi Minh Opéra en Viêt Nam (2015). 

Pour le festival Dansand! et deSingel à Anvers, il a créé le spectacle “Come on feet”, une collaboration avec les musiciens Bert Cools et Stijn Cools et le groupe Chicago footwork. 

Quan donne régulièrement des cours et des ateliers en Europe et il fait du coaching pour danseurs et compagnies.

Bert Cools © Felipe Pipi

© Felipe Pipi

Bert Cools
Belgique

Come On Feet
Guitare

Bert parle musique depuis son enfance avec la guitare comme instrument. Il a reçu le Erasmus Jazz Award ”meilleur musicien” (2010), le Gent jazz award 2016 avec Hoera., et le prix Klara 2019 pour meilleur album de musique du monde avec “Merope Naktes” et le prix Klara 2020 avec le quartet Machtelinckx Cools Gouband Badenhorst. Il est principalement actif dans l’improvisation, l’électronique, le folk et la musique du monde. En plus de ses concerts dans le monde entier et de ses compositions pour ses propres groupes, Merope, Hooray, Book of air vvolk, il joue régulièrement comme sideman dans des groupes internationaux tels que le danois Efterklang et l’américain Sam Amidon. En 2013, il a fondé la plateforme ‘granvat’ avec son frère Stijn Cools.

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Stijn Cools @ John Tai

@ John Tai

Stijn Cools
Belgique

Come On Feet
Batterie, ingénieur du son

À l’âge de 10 ans, Stijn a commencé à étudier le piano à l’académie de musique. Quelques années plus tard, il est passé à la batterie et a suivi des ateliers de jazz avec Billy Hart et Dré Pallemaerts. Avant d’étudier la musique au Conservatoire royal de Bruxelles avec Stéphane Galland, il a obtenu des diplômes en scénographie et en architecture. En 2010, il a reçu le “Toots Thielemans Jazz Award”. Il remporte le Gent jazz award en 2012 et 2016. Il est à l’aise dans de nombreux projets et styles différents. Outre sa passion pour la batterie, Stijn expérimente en musique électronique et travaille comme ingénieur du son (enregistrements et mixage). En 2013, il crée la plateforme ‘granvat’ avec son frère Bert Cools.

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Joffrey Anane @ Bardtphoto

@ Bardtphoto

Joffrey Anane
Belgique

Come On Feet
Danseur

Les performances artistiques de Joffrey Anane, dont le nom d’artiste est Jay, se situent dans le milieu de la danse urbaine underground et dans le monde du théâtre. En 2018, Jay a joué dans 7 productions de théâtre en Belgique : e.a. “Short Stories” d’Osei Bantu, “Aangenaam Ik Ben Ish” d’Ish Ait Hamou, “Malcolm X” de Junior Mtombheni, “Beauty And The Beast Musical”, “Popcorn” de Randi Devlieghe. Jay est co-fondateur de la plateforme Osei Bantu, un collectif d’art urbain inspiré par la danse, le DJ, la musique, l’art et le spoken word avec des influences de leur propre ethnicité et d’autres cultures. Le parcours artistique de Jay va du théâtre, de la télévision, des batailles, du jeu d’acteur, à l’assistance à la danse pour les chorégraphes et les metteurs en scène.

David Kinkela @ Ramos Sama

@ Ramos Sama

David Kinkela
Belgique

Come On Feet
Danseur

David, nom d’artiste Rabbadance, est un danseur et chorégraphe aux racines congolaises et angolaises. Il est célèbre pour ses impressionnantes vidéos de danse. Il a remporté le Afrohouse Battle Whatsupp à Bruxelles. Rabba est l’organisateur de Afroblood, VoodooHype et du groupe Afrohouse Voodoogang. Avec ce mouvement, il démontre que beaucoup de styles de danse underground sont issus de la culture afro.

Samantha Mavinga @throughmylenspic

@throughmylenspic

Samantha Mavinga
Belgique

Come On Feet
Danseuse

Samantha Mavinga, nom d’artiste Mavinga, est danseuse, chorégraphe et mannequin. Elle est l’une des leaders féminines belges de l’industrie de la danse underground et a remporté de nombreux concours : Juste Debout Espagne, Hip Hop International Belgique, World Of Dance London, Timiss Festival Belgique, SDK Italie, Me against the World Allemagne, We Wanna Dance Belgique, The Notorious IBE Hollande et Red Bull Dance Your Style Belgique. Elle a travaillé comme professeur pour la formation en danse à Tremplin Hip Hop et a été chorégraphe et danseuse pour Les Ardentes, One Nation, Bejart Ballet IX Symphonie, MTV et les prix EMA/BRIT, entre autres.

Mpanya Boule © Michel Corbiere

© Michel Corbiere

Boule Mpanya
Congo/Belgique

Come On Feet
Danseur

Boule Mpanya a grandi à Kinshasa. Il rencontre Paul Kerstens, coordinateur du travail Afrique au Congo du KVS (Théâtre Royal Flamand, Bruxelles), qui lui propose d’utiliser ses compétences pour le projet Coup Fatal avec Fabrizio Cassol et Alain Platel. Pendant plus de deux ans, il part en tournée mondiale avec Coup Fatal pour plus d’une centaine de représentations. La collaboration avec Platel se poursuivra en 2016 avec Nicht schlafen, une performance autour de l’œuvre de Gustav Mahler.

Raquel Suarez Dueñas @ Emilie Soleil

@ Emilie Soleil

Raquel Suarez Duenas
Belgique

Come On Feet
Danseuse

Raquel danse depuis son enfance et a appris les secrets du métier dans la rue et dans les battles. Elle a également beaucoup d’expérience dans le domaine du théâtre.

Battles : Finaliste juste debout Anvers (2019) / Gagnante Bruxelles bijoux avec la compagnie ‘désintégration culturelle’ au Bozar / Finaliste JFB à Lille youtube : Rakel vs Wesley rakel (2014) Finaliste Battle Raw circle Antwerp (2014).

Théâtre : Au Fil Du Temps de la Compagnie Corpeaurelles (2018) / Wipcoop au KVS (2018) / Strasbourg Leuven : Be House création “Metis” et “Desintegration (2017) / Diplômé du “1000 pieces puzzle” (2017) au Zinnema Brussels / Participante à la 3ème édition du Tremplin hiphop ‘lezart urbain’ (2015).

Hendrickx Ntela

Hendrickx  Ntela
Congo/Belgique

Come On Feet
Danseuse

Danseuse et chorégraphe liégeoise d’origine congolaise, Hendrickx Ntela pratique plusieurs styles de danses : Hip Hop, Krump, Kuduro, AfroHouse etc … Elle travaille comme danseuse freestyle, chorégraphe et enseignante au sein du collectif One Nation 100% female. Elle a travaillé avec Brahim Rachiki ou Grichka, véritable pionnier du Krump en France et elle a été finaliste au Championnat du monde de Krump en Allemagne en 2014. Elle a participé à de nombreux projets culturels belges et étrangers dans le domaine des danses urbaines. Grâce à ces échanges et à ces contacts, elle a pu acquérir des expériences professionnelles, dont l’organisation d’un ‘battle’ à Liège et l’événement Krump Date à Bruxelles. Elle a créé le collectif Drickx Konzi et le groupe international de femmes krump, Gully Fusion. En 2019, elle rejoint le groupe de hip-hop Tremplin Danses et devient dans ce cadre co-chorégraphe et interprète de la pièce “Au Fil du temps” de la Cie Corpeaurelles. Cette même année, elle est coach pour le festival des Nuits de la Danse à Dakar et diffuse une première partie de sa création “Blind”.

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Chromatic spaces: a mode of light

Catalina Vicens © Kurt Van der Elst

© Kurt Van der Elst

Catalina Vicens
Chili

Chromatic spaces: a mode of light
Orgue portatif médiéval, percussions et concept

Louée pour son lyrisme, sa virtuosité et son style de jeu émotionnel, Catalina Vicens, claviériste d’origine chilienne, s’est produite dans les principales salles de concert et festivals de musique ancienne en Europe et en Amérique, et a été invitée à donner des récitals dans certaines des principales collections d’instruments à clavier historiques originaux du monde. Aujourd’hui, Catalina combine une carrière internationale de soliste et de recherche dynamique et est reconnue pour son travail avec les claviers médiévaux, travaillant aux côtés de luthiers spécialisés dans le développement et la reconstruction d’orgues médiévales et de la Renaissance, ainsi que pour travailler aux côtés de compositeurs et d’artistes. Son dernier album solo ‘Organic Creatures’ a été acclamé internationalement.

Catalina enseigne le clavecin et la recherche au Conservatoire Royal de Bruxelles. Elle se produit et enregistre régulièrement en tant que membre d’ensembles de musique médiévale, renaissance, baroque et expérimentale en Europe, aux États-Unis et en Amérique du Sud. Elle est la directrice artistique de Servir Antico, ensemble avec qui elle vise à révéler le répertoire et le patrimoine intellectuel moins connus de la période humaniste (13e-16e siècles).

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Chromatic spaces: a mode of light | Feuilles noires

Lisa Goldberg

Lisa Goldberg
Australie

07/10 | Chromatic spaces: a mode of light
Art en verre et olfactif

08/10 | Feuilles Noires
Art en papier, art textile et olfactif

Lisa est musicienne et artiste. En tant qu’artiste, le verre, les parfums, les textiles et la gravure sont ses principaux moyens d’expression. Pendant ses études de musique et sa formation intensive de bassoniste en Australie et en Europe, Lisa a gardé un intérêt parallèle pour le dessin et la peinture. 

Ces dernières années, Lisa s’est mise au soufflage de verre. Avec ses nombreuses qualités lumineuses, sa capacité à représenter à la fois la fragilité et la force, ainsi que la possibilité d’offrir de nombreuses textures qui découlent de son éclat transparent porteur de lumière et de ses moyens compactes et denses d’absorption des couleurs, elle trouve dans le verre un médium particulièrement passionnant.

Sa gravure, son design textile et son travail sur le verre s’inspirent de la nature, de la façon dont un paysage peut se transformer sous l’effet de l’océan, du vent, du soleil et de la pluie. Au fil des années, la délicatesse des lignes, des textures et des couleurs inhérentes à l’usure de la terre, des rochers, des arbres et des montagnes offre une source d’inspiration inépuisable pour la contemplation et la méditation. 

Dans ces productions pour le Festival ARTONOV, Lisa s’intéresse à la synesthésie, en examinant les liens entre la couleur, le son, le parfum et la perception. Les parfums utilisés font partie d’une force de connexion qui représente à la fois les modes musicaux et leur relation avec les autres sens. Elle réalise des sculptures en verre, des impressions sur lino et des tissus teints qui s’inspirent de textes et font référence à la fois à des concepts musicaux et à l’histoire des bâtiments qui accueilleront les représentations.

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Site internet de Lisa Goldberg
Lisa Goldberg sur Instagram
Redrockglass sur Instagram

Michaël Grébil Liberg

Michaël Grébil Liberg
France

07/10 | Chromatic spaces: a mode of light
Instruments médiévaux à cordes pincées et à archet

08/10 | Feuilles Noires
Compositeur, dramaturge, instruments médiévaux à cordes

Michaël Grébil Liberg est un ouvrier polymorphe dont la recherche se manifeste autant au travers la musique en tant que compositeur, improvisateur et interprète, que dans la fabrication d’essais poétiques et visuels. Sur scène, il explore la musique en solo, depuis le répertoire médiéval jusqu’à̀ la musique contemporaine, expérimentale et électroacoustique, en interprète et improvisateur dans des répertoires allant de la musique de Guillaume de Machault jusqu’à la musique d’aujourd’hui, notamment Morton Feldman, John Cage ou encore Brian Eno. Il collabore régulièrement en tant qu’interprète avec des ensembles comme Hesperion XXI (Jordi Savall), Alla Francesca (Brigitte Lesne, Pierre Hamon) ou Servir Antico (Catalina Vicens). En tant que compositeur, il a exploré la dramaturgie sonore pour la Danse et le Théâtre, notamment avec Michel Vinaver, Gilone Brun, Clyde Chabot ou encore Opiyo Okach. Aujourd’hui, il creuse le sillon de fabriques intimes qui l’amènent à réaliser des objets musicaux, poétiques et cinématographiques. Son dernier essai cinématographique a été invité dans des festivals de cinéma à Grenade et à Gênes. Toutes ces fabriques se concentrent autour d’une sorte d’atelier alchimique qu’il nomme « the Inner Chapel Initiative », où il médite sur la nature du Temps, aux profondeurs de l’Inconscient, à la rareté des choses plutôt qu’àleur reproduction mécanique, et cherche une aura à sauver dans la racine du monde, sondant dans un miroir la fleur secrète de l’Altérité.

Silhouette

ART'uur © Els Vandenberghe

© Els Vandenberghe

ART’uur

Silhouette

En combinant le lyrisme unique du trompettiste Wim Van Hasselt et la créativité illimitée du percussionniste Koen Plaetinck, une synergie rare s’est créée. 

Ces anciens camarades étudiants et compagnons d’âme ont décidé de former un duo musical après l’enregistrement en tant que solistes au Budapest Festival Orchestra. La confiance mutuelle et infinie dans leur compétence musicale, le respect inconditionnel et les années d’amitié conduisent à une symbiose particulière menant à une conviction claire et partagée : l’authenticité, la beauté et la créativité comme seul objectif. Compensant les travaux professionnels quotidiens, souvent trop furtifs et superficiels, le but de ce projet est une recherche en profondeur et une expérience d’un processus créatif dans lequel se mêlent musique, authenticité et innovation.

En dialogue avec divers compositeurs et artistes visuels soigneusement sélectionnés, ils racontent avec passion leur histoire personnelle en explorant toutes les limites de leur vaste gamme d’instruments.

Une nouvelle Alliance, appelée ART’uur.

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Koen Plaetinck © Els Vandenberghe

© Els Vandenberghe

Koen Plaetinck
Belgique

Silhouette
Percussions

Après avoir obtenu son diplôme de maîtrise au Conservatoire royal de Bruxelles, il se perfectionne avec Jan Pustjens et Gustavo Gimeno pour la percussion orchestrale, avec Marinus Komst pour les timbales et pour le marimba et à la Toho Gakuen School of Music de Tokyo avec Keiko Abe. Il s’est spécialisé dans l’interprétation authentique en tant que timbalier avec, entre autres, Anima Eterna Bruges, La petite Bande, B’Rock, Orchestre Insula, Correspondances, l’Orchestre des Champs Élysées, Il Gardellino et Concerto Köln. 

Comme soliste, il a joué aux côtés de Keiko Abe, le Brussels Chamber Orchestra, het Kamerorkest, le Percussion Group Brussels et avec Wim Van Hasselt au Budapest Festival Orchestra. Il a donné des récitals pour Bozar, le Festival Klara, le Festival de Wallonie, l’Académie Bach, le Festival de Percussions Bruxelles et le Beat it Festival au Concertgebouw Brugge. En 2011, son premier CD ‘Notenbüchlein’ est sorti pour le label Fuga Libera. En 2020, un CD en duo avec Wim Van Hasselt paraîtra pour le label Channel Classics Records. Koen Plaetinck est un Marimba One Artist.

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Wim Van Hasselt © Els Vandenberghe

© Els Vandenberghe

Wim Van Hasselt
Belgique

Silhouette
Trompette

Wim Van Hasselt est un musicien belge basé actuellement en Suisse. Il se produit régulièrement en Europe, en Amérique du Nord et du Sud et en Asie. Il a joué en tant que soliste avec Amsterdam Sinfonietta, Sophia Philharmonic et le Budapest Festival Orchestra, dans des salles tels que le Concertgebouw Amsterdam, la Beethovenhalle Bonn, le Konzerthaus Berlin et la Tokyo Opera City Concert Hall.

Wim Van Hasselt a été membre du Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam pendant de nombreuses années et auparavant du Radio Symphony Orchester Berlin. Il a joué avec des chefs renommés tels que Mariss Jansons, Bernard Haitink, Valery Gergiev, Gustavo Dudamel, Iván Fischer, Lorin Maazel, Kyrill Petrenko, Andris Nelsons, Nikolaus Harnoncourt, Christian Thielemann et Claudio Abbado.

Aujourd’hui, en plus de ses performances en solo, Wim se consacre à la musique de chambre, notamment en tant que co-fondateur du quintet de cuivres international « Brass United » et en duo « ART’uur » avec le percussionniste Koen Plaetinck.

Wim Van Hasselt a réalisé plusieurs enregistrements pour le label Channel Classics Records, pour lesquels il a reçu de nombreux prix, notamment le Prix de salon du Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, et un Editor’s Choice du Gramophone. Professeur de trompette à l’Université de musique de Fribourg (Allemagne) et mentor de l’Orchestre des jeunes de l’Union européenne, il transmet avec passion son enthousiasme pour la musique à la génération suivante. Wim Van Hasselt est un artiste Yamaha.

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Fresques

Jeanne Mordoj © Géraldine Aresteanu

© Géraldine Aresteanu

Jeanne Mordoj
France

Fresques
Artiste de cirque, créatrice et metteuse en scène

Dans le spectacle vivant, Jeanne Mordoj suit son chemin en artiste indomptable. Créatrice et interprète de spectacles, elle avance aux lisières du théâtre, du cabaret et des arts du cirque, en zigzag sur la ligne du convenu et du raisonnable. En constante transformation, elle se tient à l’écoute de son instinct, s’appropriant de manière singulière les trésors insoupçonnés du spectacle forain.

Que ce soit la femme à barbe (Éloge du Poil – 2007), la femme-poule (La Poème – 2012), la dessinatrice extralucide (FRESQUES – 2019), l’artiste en flottement (L’Errance est humaine – 2018), la créature mi-homme mi-félin (Le Bestiaire d’Hichem – 2018), toutes ces figures s’affirment comme des phénomènes en liberté, généreux et sauvages, malicieux et graves. Des semblables si étrangers, des énigmes si proches.

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Mathieu Werchowski © Géraldine Aresteanu

© Géraldine Aresteanu

Mathieu Werchowski
France

Fresques
Violon

Musicien né en 1973, Mathieu Werchowski mène de front deux carrières parallèles : l’une en tant que violoniste improvisateur opérant dans le champ des musiques dites d’aujourd’hui et l’autre en tant que compositeur et créateur sonore.

Armé de son violon ou de son alto, il s’aventure sur des terrains souvent inexplorés par ces instruments et les fait sonner d’une façon peu coutumière. Ses affinités pour la création et la liberté l’ont de fait orienté vers le monde de l’improvisation. Il a joué en solo et dans différentes formations sur les cinq continents et compte à son actif une discographie riche de huit albums, parus en France, Portugal, Grande Bretagne et Nouvelle Zélande.

Ses collaborateurs les plus réguliers ont été ou sont : Jérôme Noetinger, Lionel Marchetti, Anne- Julie Rollet, John Russel, Ute Völker, Bertrand Denzler, Jean Sebastien Mariage, Xavier Charles, Cirque ici-Johann Le Guillerm, Caroline Engremy, Dominique Regef, Heddy Boubaker, Fabien Duscombs, Frédéric Cavallin et David Chiesa.

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La fabrique des lumières

Karin Vyncke

Karin Vyncke
Belgique

La fabrique des lumières
Chorégraphe, danseuse

Karin Vyncke débute sa carrière de danseuse à 19 ans en Allemagne (Bremen) avec Gerhard Bohner et Reinhild Hoffman. Elle rejoint la Cie Maguy Marin de 1982 à 1988. En 1988 elle crée sa première pièce dans les studios de Maguy Marin.

En 1992 elle retourne en Belgique et la compagnie Karin Vyncke qu’elle avait constituée en France devient l’asbl Aquilon. Elle élabore un partenariat avec Pianofabriek à Saint-Gilles où elle crée dorénavant ses pièces, avec l’aide du VOORUIT à Gand et le soutien de l’aide à projet.

Les pièces sont liées à son regard critique sur les événements de la vie et le rapport entre pouvoir et victime. Depuis 1996 elle élabore des performances sous le nom de ‘Short Dances’ pour lesquelles elle collabore avec des plasticiens et metteurs en scène.

A son travail chorégraphique s’ajoute un horizon plus divers et pluridisciplinaire : des travaux plastiques (collages), installations, vidéos et des projets d’intervention urbaine avec jeunes et adultes.

Elle donne des cours de danse contemporaine à Pianofabriek. Elle pratique le Shiatsu et le Yoga Iyengar qui donnent une autre approche de la vie et de la pratique du mouvement.

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Stretch + Timemonochromes

Isabella Soupart © Stéphane Cardinale / Sygma via Getty Images

© Stéphane Cardinale / Sygma via Getty Images

Isabella Soupart
Belgique

Stretch + Timemonochromes
Chorégraphe, danseuse, metteuse en scène, artiste visuelle

Isabella Soupart est une chorégraphe, danseuse, metteuse en scène et artiste visuelle basée à Bruxelles. Elle est Lauréate Prix SACD Chorégraphie (Belgique, 2019), nommée aux Total Theater Awards (Édimbourg, 2019), reconnue artiste Femme de Talent de l’année White & Case (Bruxelles, 2019), nommée aux Prix Maeterlinck de la Critique (Bruxelles, 2019) et nommée au Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative (New York, 2007).

 Artiste transdisciplinaire, elle collabore régulièrement avec des artistes plasticiens, des compositeurs et des architectes. Elle crée des performances et des œuvres visuelles à l’interface de plusieurs disciplines. Alors que son travail prend des formes variées, de la réalisation vidéo à la performance live en passant par le théâtre musical et l’opéra, l’écriture chorégraphique est au centre de son œuvre. Sa quête d’une écriture spécifique non basée sur les codes de la danse contemporaine l’a amenée à rencontrer des danseurs/performeurs qui incarnent d’autres histoires du mouvement. Elle est régulièrement invitée dans les musées.

 En tant qu’actrice elle est révélée au grand public dans le film Le Fils des Frères Dardenne, elle joue également pour le réalisateur franco-chilien Raoul Ruiz et la cinéaste berlinoise Maria Speth.

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Vandrome Guy

Guy Vandromme
Belgique

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Conception, direction musicale

Guy Vandromme est un pianiste dans les domaines du théâtre musical et de la danse, travaillant comme soliste, accompagnateur, chef d’orchestre et directeur artistique. Après avoir lancé sa carrière dans le studio de la Monnaie, il a été l’un des principaux moteurs du programme de la capitale culturelle européenne de Bruges 2002, a travaillé pour deSingel et a fondé le festival Talklang en Süd-Tirol. Il collabore de manière intensive avec l’écrivain Eric de Kuyper, le sound-designer Adriaan Severins, la vocal performer Maja Jantar et les chorégraphes Raimund Hoghe et Isabella Soupart. Son objectif principal est de renouveler les formats de représentations de la musique dans les espaces publics, de collaborer avec des artistes contemporains et d’explorer les moyens d’apporter les richesses de la culture auprès des groupes isolés. Plus récemment, il a lancé ACT2 une plate-forme curatoriale avec Bert Schreurs. Depuis la sortie de son CD solo avec la musique de John Cage, il a été invité par Wandelweiser Records à être partenaire pour les années à venir.

Popaul Amisi

Popaul Amisi
République Démocratique Congo

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Danseur, performeur

Popaul Amisi est un danseur, chorégraphe et interprète basé à Paris. Popaul Amisi a suivi une formation d’arts dramatiques et de peinture à l’Académie des Beaux-Arts de Kinshasa avant de se former en autodidacte au Hip-Hop en tant que membre du groupe de danse Art-Con. Il a participé à Kata Danse, une émission de téléréalité congolaise très populaire, et à l’émission de talents Super Star. Il se démarque par son talent extraordinaire et sa faculté à faire de chacune de ses performances magnétiques un voyage fascinant à travers différents styles de danses contemporaines, urbaines ainsi que de danses africaines modernes et traditionnelles. Il collabore notamment en tant que danseur avec la chorégraphe et performeuse Ula Sickle et la chorégraphe et artiste visuelle belge Isabella Soupart.

Kayoko Minami © Danny Willems

© Danny Willems

Kayoko Minami
Japon

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Danseuse, performeuse

Kayoko Minami est une danseuse et performeuse basée à Bruxelles. Après avoir obtenu son diplôme de la Nihon University College of Art, elle collabore avec des chorégraphes comme Shinji Nakamura, Jan Durovcik, Pierre Darde au Japon. Grâce au programme d’études à l’étranger du gouvernement japonais pour les artistes 2005-2007, elle étudie à l’ancien Conservatoire Royal d’Anvers à Lier. Depuis lors, elle travaille avec la Cie Toula Limnaios à Berlin et collabore avec des chorégraphes comme Tino Sehgal, Ugo Dehaes, Heine Avdal & Yukiko Shinozaki, Mokhallad Rasem, Randi De Vlieghe, Colette Sadler et Ana Torfs. Elle rejoint en 2019 la performance “Stretch in Museums” de la chorégraphe Isabella Soupart.

Meri Panjupää

Meri Pajunpää
Finlande

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Danseuse, performeuse

Meri Pajunpää débute sa formation de danseuse à Nurmijärvi et Helsinki avant de poursuivre à la Amsterdamse Hogeschool voor de Kunsten, MTD (2004-2008). Depuis, elle travaille avec des chorégraphes tels que Francesco Scavetta, Sanna Myllylahti, Arno Schuitemaeker, Jenni Kivelä, Vera Tussing, Peter Savel, Sarah Bostoen, Theo Clinkard, Olga de Soto, Isabella Soupart et Bára Sígfúsdóttir. Elle réalise également plusieurs œuvres personnelles et collabore sur “Splitting/ Maierhof” avec les musiciens Ruben Martinez Orio, Hanna Kolbel, Primoz Sukic (2016), travaille avec l’artiste plasticienne Carita Savolainen (2017), le plasticien Simon Verheylesonne (2018). Parallèlement à sa carrière d’interprète, Meri enseigne la danse contemporaine dans différentes compagnies et institutions en Belgique et en Finlande.

Sara Tan © Danny Willems

© Danny Willems

Sara Tan
Singapour

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Danseuse, performeuse

Sara Tan vit et travaille en Europe. Après avoir obtenu son baccalauréat en danse de l’Université du Wisconsin Stevens Point (UWSP) aux États-Unis, elle poursuit ses études à l’école de danse contemporaine à Bruxelles – Performing Arts Research and Training Studios (P.A.R.T.S). Elle travaille ensuite pendant plusieurs années avec la compagnie française Kubilai Khan Investigations et également avec les artistes et chorégraphes Eszter Salamon, Thierry de Mey, Anne-Linn Akselen, Isabella Soupart et t.r.a.n.s.i.t.c.a.p.e.  Elle poursuit son travail sur les futures créations des chorégraphes Michèle Noiret, David Drouard et Isabella Soupart.

Johanna Willig Rosenstein © Danny Willems

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Johanna Willig Rosenstein
France

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Danseuse, performeuse

Johanna Willig Rosenstein a débuté la danse contemporaine au conservatoire de Dijon à l’âge de 13 ans. Elle passe ensuite une année dans une compagnie de danse contemporaine dans un Kibboutz en Israël, puis rejoint l’école Maslool Bikurey Ha’itim de Tel Aviv avec Naomie Perlov. En 2016, elle rejoint la jeune compagnie Le Marchepied à Lausanne et travaille dès 2017 avec la Cie Alias à Genève. Elle est amenée à voyager dans le cadre de ces projets en Pologne, en Argentine, en Lituanie, à Paris, à Athènes, en Allemagne, en France, à New York… Elle prend part à des créations, se produit dans des festivals de danse et travaille avec la Cie Motoperpetuo, Xocolat, Alexandra Bachzetis… Elle entame une collaboration avec la chorégraphe Isabella Soupart sur les projets “Stretch in Museums” (MAD) et “Steve Reich Project” avec lequel elle se produit en solo lors du Fringe Festival d’Edimbourg en 2019.

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Fouad Nafili © Danny Willems

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Fouad Nafili
Maroc

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Danseur, performeur

Fouad Nafili a commencé tôt sa carrière de danseur avec des danses de B-boying et des danses urbaines. Il a étudié au Conservatoire de musique et des arts chorégraphiques de Salé, avant de partir poursuivre ses études avec la compagnie Anania Danses, basée à Marrakech, dans laquelle il a rejoint le programme de formation Al Mokhtabar II. Parallèlement, il a participé à des projets, des créations et des ateliers au Maroc et en Europe. 

Fouad a travaillé comme interprète au sein de l’œuvre de Michel Hallet Eghayan, Fanny brouyaux, Taoufiq izzediou, Radouan Mriziga, Anne Teresa de Keersmaeker, Isabella Soupart, Chokri ben Chikha. Il crée aussi un solo de recherche en 2014 appelé Sarab (Mirage). Il continue maintenant à étudier dans le cadre du programme de Master “STUDIOS” après avoir obtenu son diplôme du cycle de formation des Studios de Recherche et de Formation en Arts du Spectacle (P.A.R.T.S.) en Belgique.

Rueben Martinez Orio ©Danny Willems

© Danny Willems

Ruben Martinez Orio
Espagne

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Percussions

Ruben Martinez Orio est un percussionniste basé à Bruxelles. Il a étudié à Barcelone (ESMuC) et à Rotterdam (CODARTS). Il s’installe à Bruxelles et intègre le cursus de musique contemporaine ManaMa de l’ensemble Ictus. Il collabore régulièrement avec l’Orchestre Philharmonique, l’Antwerp Symphony Orchestra, l’ensemble ICTUS, le Mahler Chamber Orchestra, l’Orchestre Symphonique de Bilbao… Intéressé par la musique contemporaine, il réfléchit à sa signification, cherche de nouveaux formats de concert, s’interroge sur la relation entre perception et écoute, son et le mouvement, son et image… Il a été programmé dans différents festivals tels la Biennale de Venise, MaerzMusik de Berlin et le 46e Internationale für Neue Musik Ferienkurse à Darmstadt et a travaillé avec les compositeurs Luis de Pablo, Steve Reich, Pierluigi Billone, Michael Maierhof et Georges Aperghis. Il a été invité en tant qu’enseignant par le SINAEM au Costa Rica.

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Elizondo Luciana

Luciana Elizondo
Argentine

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Viole de gambe

Luciana Elizondo a commencé ses études musicales à l’École de musique de l’Université nationale de Rosario. Sa formation en musique ancienne a commencé dans l’ensemble Promusica Antiqua de Rosario, dirigé par Cristian Hernandez Larguía, puis s’est poursuivie en Europe avec l’ensemble Elyma, dirigé par Gabriel Garrido. En 2005, elle a obtenu une bourse pour poursuivre sa formation en Italie. En 2009, elle a obtenu un diplôme de l’Académie internationale de musique ancienne de Milan, et en 2013, elle a obtenu un Master en Interprétation en Concert au Conservatoire Supérieur de Musique de Genève. Elle a suivi des cours de formation à la viole de gambe avec Juan Manuel Quintana, Rodney Prada, Vittorio Ghielmi et Guido Balestracci. Luciana a joué avec divers groupes de musique ancienne, à savoir l’Ensemble Elyma, Estro Cromatico, Festino Armonico, Glossarium, La Cecchina, La Venexiana, l’Ensemble Européen William Byrd, l’Ensemble Biscantores, avec lesquels elle s’est produite dans les plus grands festivals d’Amérique latine et d’Europe. Elle a enregistré des CD pour EPSA, K617, Sony et Arcana. Dans ses concerts en solo, elle a retrouvé l’ancienne tradition de la Renaissance du “cantare alla viola” (chanter à la viole). Elle est professeur de viole au Conservatoire de musique Stanislao Giacomantonio de Cosenza, en Italie.

Christine Veschorren

Christine Verschorren
Belgique

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Sound designer

Christine Verschorren est une sound designer qui vit et travaille à Bruxelles. Elle s’est formée au son à l’INSAS. Ces premières expériences amorcent un chemin riche en concerts, voyages et enregistrements mobiles. Son parcours professionnel l’amène à effectuer des travaux de sonorisation en multidiffusion pour des concerts, le théâtre et la danse, à enregistrer et mixer des albums et des musiques de films (Rundskop-Tête de boeuf, nommé aux Oscars comme meilleur film étranger ; Blush de Wim Vandekeybus). Elle crée des espaces sonores musicaux et électroacoustiques, des bandes son cinématographiques ou théâtrales avec le souci de la recherche d’une narration utilisant le double langage image et son à travers l’espace sonore. Elle assure également la production, la direction artistique de différents enregistrements discographiques et réalise des compositions avec la pianiste mexicaine Déborah Silberer et une installation sonore avec la plasticienne Valérie Vogt.

Sylvie CujasArtistes 2020